La organización sonora ha evolucionado mucho a lo largo de la Historia de la Música Occidental.
Existen tres grandes etapas en la evolución de la organización musical, con sus respectivas peculiaridades y variantes: Modalidad (hasta 1600), Tonalidad (1600-1900) y Postonalidad (1900-hoy). Recuerda que esta división sólo es orientativa y que es posible encontrar obras modales y tonales fuera de su ámbito cronológico. Estas audiciones pueden orientarte en este mundo nebuloso de las armonías.
Identificación de sonoridades armónicas
Un saludo.
M
sábado, 15 de noviembre de 2008
Identificación de las Texturas musicales (1ºBAAA)
El compositor teje la música con sus propios hilos. Según combine las líneas de las voces, la textura musical puede ser descarnada o profunda; frágil o poderosa.
Intenta distinguir con la ayuda de este material sonoro entre la Monodía, la Heterofonía, la Homofonía, el Contrapunto imitativo y la Monodía acompañada...
Identificación de las Texturas musicales
M.
Intenta distinguir con la ayuda de este material sonoro entre la Monodía, la Heterofonía, la Homofonía, el Contrapunto imitativo y la Monodía acompañada...
Identificación de las Texturas musicales
M.
viernes, 14 de noviembre de 2008
Identificación de los timbres Instrumentales (1ºBAAA)
Os subo aquí un material muy útil. Con él podréis practicar la identificación de los timbres instrumentales y refrescar este contenido que habéis adquirido en la ESO.
Tambien encontraréis audiciones sobre las distintas plantillas (solista, música de cámara, música orquestal), algunos instrumentos "de época" y recursos técnicos como el pizzicato, tremolo...
Identificación de los timbres Instrumentales
Enjoy.
Marcos
Tambien encontraréis audiciones sobre las distintas plantillas (solista, música de cámara, música orquestal), algunos instrumentos "de época" y recursos técnicos como el pizzicato, tremolo...
Identificación de los timbres Instrumentales
Enjoy.
Marcos
martes, 11 de noviembre de 2008
La Música del Renacimiento. 1400-1600. (1ºBAAA)
El humanismo, el renacer del interés por la antigüedad clásica, la imprenta, la Reforma y la Contrarreforma, la perspectiva, la razón, la oscuridad teocéntrica de la Edad Media que deja paso a la luz del hombre como centro de todas las cosas... Ya habéis visto que el Renacimiento es una apasionante era de cambios.La música del Quattrocento y el Cinquecento nos enseña la manera de pensar y sentir de aquellas gentes. Una manera de pensar y sentir que ha cambiado poco a pesar de los cinco siglos que han transcurrido.
Aquí tenéis el material del que hemos hablado hoy en clase.
Apuntes Música del Renacimiento.
Ejemplos sonoros Música del Renacimiento.
Un saludo
martes, 4 de noviembre de 2008
Polifonía Medieval. (1ºBAAA)
Este material gráfico y sonoro que os he preparado os ayudará a aproximaros al hecho polifónico y sirve como apoyo al impartido en el aula. Los comienzos de la polifonía son un período apasionante de la música occidental y aunque su sonoridad pueda resultaros áspera en un principio, seguro que os acabará enganchando.
Apuntes Polifonía Medieval
Ejemplos sonoros Polifonía Medieval
Que os aproveche.
Marcos
miércoles, 29 de octubre de 2008
La Identificación de los timbres y las tesituras vocales en el análisis musical. (1ºBAAA)
Estos materiales os orientarán a la hora de distinguir la tesitura y el color de un cantante lírico, tal como hemos hecho hoy en clase.
La clasificación por tesituras debe ser recordada de manera exhaustiva:
Identificación voces femeninas
Identificación voces masculinas
La clasificación por tesituras debe ser recordada de manera exhaustiva:
También es interesante matizar la tesitura de la voz con su color: Ligero/a - lírico/a - dramático/a.
Recordad que estos clips de audio se pueden bajar para manejarlos con mayor comodidad.
Identificación voces femeninas
Identificación voces masculinas
Marcos
domingo, 26 de octubre de 2008
¿Para qué sirve la Música?: Música, Danza y Neurociencia
Este reportaje del programa "REDES" de TVE, sobre la música y la danza, es interesantísimo. No os lo perdáis.Nos gusta comer, porque no sobreviviríamos sin la energía que aporta la comida. Sentimos el institnto de la reproducción porque sin él no seguiríamos aquí. ¿Y por qué nos gusta bailar y cantar?
Eduard Punset entrevista al neurocientífico Lawrence Parsons, que investiga la relación del ser humano con la música y la danza. Algunos de los temas que tratan tienen que ver con el origen evolutivo de la danza y de la música, de la relación de la danza con el lenguaje, la relación entre las emociones y la danza, y sobre cómo el aprendizaje de la música y la danza relaciona distintas zonas cerebrales, lo que es bueno para la memoria operativa y para la capacidad de planificación.
jueves, 23 de octubre de 2008
La Identificación del idioma en el análisis de una obra vocal.(1ºBAAA)
Distinguir el idioma de una obra vocal aporta pistas interesantes sobre su género y la escuela nacional de la que proviene. Podemos reducir a seis, el abanico de idiomas usados en la música vocal occidental, aparte del español:
- lenguas romances: Italiano y Francés. Igualmente incluyo aquí al Latín, madre común de todas las lenguas romances e idioma propio del género religioso -aunque no el único-.
- idiomas germánicos: Inglés y Alemán.
- lenguajes eslavos: Ruso.
Entrenar el oido para distinguir lenguas latinas de germánicas y eslavas es un ejercicio interesante y útil. Tal como hemos hecho en clase esta semana conviene empezar el ejercicio con el idioma declamado y distinguir sus acentos y rasgos fonéticos. Seguiremos a continuación, con ejemplos de música ligera y por fin, de música lírica. La resonancia, dicción e impostación en el cantante ligero es muy diferente a la del lírico. Ello afectará a a la inteligibilidad del texto y la comprensión e identificación del idioma en que está escrito.
Los clips que os he subido en la zona de descargas os serán útiles seguramente. Bye bye...
Identificación del idioma declamado
Identificación del idioma en música ligera
Identificación del idioma en música lírica
Marcos
miércoles, 15 de octubre de 2008
Los Lieder de Schubert en el Análisis Musical. (1ºBAAA)
Los alumnos de Análisis I conocéis ya la importancia del Lied.
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Su reducida extesión y su economía de medios le convierten en un género muy apropiado para ejercicios de Análisis y exámenes. El lied es un laboratorio de pruebas desde el que saltar a obras de mayores dimensiones y recursos, por lo que su estudio en las primeras etapas de nuestra materia es imprescindible.
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De entre todos sus cultivadores Franz Schubert es quizá el más delicado y experimentador compositor de este género. Desde esta semana disponéis en la biblioteca de nuestro Instituto de un ejemplar de sus ciclos completos de lieder para consulta.
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La relación de música y letra en el Lied es especialmente importante. Os presento aquí, como complemento a este material, las traducciones al español de los poemas originales alemanes en sus 3 famosos ciclos:
Los trabajos de análisis de la primera evaluación versarán en particular sobre los dos primeros.
Buen provecho.
Marcos
viernes, 3 de octubre de 2008
Los profesores de música reciben partituras del Misteri para interpretarlo en el aula
El Patronato quiere que los alumnos toquen un fragmento de La Festa gracias a una adaptación del Mestre de la Escolanía.
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La junta rectora del Patronato del Misteri convocó ayer por la tarde en el Centro de Congresos a los profesores de música de los colegios e institutos ilicitanos para hacerles entrega de una partitura de un fragmento del drama asuncionista, concretamente "Esposa e Mare de Déu", del Araceli. El objetivo es que a partir de ahora los alumnos puedan interpretar en las aulas, dentro de sus posibilidades, algunos de los compases de La Festa y así de este modo se sientan más cercanos e implicados con este Patrimonio de la Humanidad.
A las cerca de medio centenar de personas que acudieron al acto se les hizo entrega de una carpeta que recoge las partituras para el profesor y para el alumno, pero también un CD con el archivo de audio y las mismas partituras para que se puedan hacer copias.
Los arreglos han sido realizados por el Mestre de Escolanía Francisco Javier Gonzálvez, que ha adaptado el fragmento para que pueda ser interpretado en clase de música con flautas y xilófonos, sobre todo en los últimos cursos de Primaria y en la ESO.
La coordinadora del proyecto, María Dolores Asencio, indicó que todo aquel centro público o privado que lo solicite obtendrá una copia, mientras que Marcos Álvarez, docente del "Misteri d'Elx", que ya ha puesto en práctica esta iniciativa en clase, indicó que la pieza se puede montar en cinco o seis sesiones y que en líneas generales su interpretación no es complicada para los alumnos.
miércoles, 18 de junio de 2008
FELICES VACACIONES
Que paséis buen verano, y no olvidéis estudiar un poquito....
NOS VEMOS EN SEPTIEMBRE.
NOS VEMOS EN SEPTIEMBRE.
domingo, 25 de mayo de 2008
El Theremin.
Uno de los instrumentos más extraños que apareció con el siglo XX y la familia de los electrófonos es el Theremin. Podeis ver un clip de este instrumento en directo en la pestaña de CLÁSICA.
Artículo extraido de Wikipedia.
El Theremin (theremin, théremin o théreminvox), llamado en su versión primitiva aetherophone (eterófono), es uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos, y el primer sintetizador de la Historia, inventado en 1919 por el físico ruso Lev Serguéievich Termen (quien luego afrancesó su nombre a León Thérémin).
El diseño clásico consiste en una caja con dos antenas. Se ejecuta acercando y alejando la mano de cada una de las antenas correspondientes, sin llegar a tocarlas. La antena izquierda (desde el punto de vista de un ejecutante diestro) es horizontal y con forma de bucle, y sirve para controlar el volumen: cuanto más cerca de la misma esté la mano izquierda, más baja el volumen, y viceversa.
La antena derecha suele ser recta y en vertical, y sirve para controlar la frecuencia: cuanto más cerca esté la mano derecha de la misma, más agudo será el sonido producido.
Originalmente, su versión más primitiva fue llamada Aetherophone (se podría traducir como Eterófono), y constaba sólo de la antena de tono. Dicho diseño fue tempranamente mejorado por el inventor, añadiendo posteriormente una antena para controlar el volumen tal y como hemos descrito. Actualmente, algunos de los modelos caseros y comercializados de Theremin disponen tan sólo de la antena que controla el tono, lo cual siendo rigurosos les convierte en realidad en un "Eterófono", y su uso frecuentemente es el de un aparato para efectos especiales más que un instrumento musical, al no poder acentuar ni separar las notas producidas.
También se han llegado a producir theremines de forma más o menos artesanal con formas de interactuar muy distintas, como por ejemplo, teremines ópticos que miden la cantidad de luz que les llega a un sensor. También la casa Roland comercializa en algunos de sus módulos un sensor de infrarrojos llamado D-Beam, con el cual se puede controlar no sólo el tono, sino alternativamente el parámetro que se elija
Los theremines originales estaban fabricados con las, entonces novedosas, válvulas de vacío, aunque eso presentaba problemas de mantenimiento y manejo, por no hablar de que maneja internamente corrientes de alto voltaje (no son un peligro para el ejecutante, pero si para un intento de mantenimiento por inexpertos).
Actualmente existen multitud de firmas que comercializan versiones transistorizadas de teremines, que aun no teniendo la calidez del sonido valvular, son más robustos y más adecuados para el transporte.
Muy usado en las películas de serie B de Hollywood de los años cuarenta y cincuenta por su sonido electrónico para ambientar, a base de un uso efectista, películas de ciencia ficción y terror en la era anterior al sintetizador, su uso original era bien distinto: la tereminista y violinista Clara Rockmore utilizó un repertorio romántico clásico y dio al teremín credibilidad como instrumento solista en un entorno orquestal.
El uso del theremin más conocido en una película clásica quizá sea en "Ultmátum a La Tierra" ("The Day the Earth Stood Still") de Robert Wise. En este film el compositor Bernard Herrmann utiliza dos theremines en la paleta orquestal. El uso de ambos servía para dar un aire futurista y para enfatizar la amenaza procedente del espacio exterior, que se manifestaba en su más amplia resonancia en el hierático personaje del gigantesco robot Gort.
El compositor Miklos Rozsa también hizo uso frecuente de este primitivo sintetizador para expresar la inestabilidad emocional de sus protagonistas en filmes de cine negro en los años cuarenta del siglo XX. Así en "Recuerda" ("Spellbound") de Alfred Hitchcock, el sonido del theremin aparecía cuando los pensamientos obsesivos se adueñaban de la voluntad de "John Ballantine" (Gregory Peck). Asimismo, en "Dias Sin Huella" ("The Lost Weekend") de Billy Wilder, los momentos de embriaguez del alcohólico "Don Birnam" (Ray Milland) eran subrayados por este instrumento, que adquiere toda su potencialidad sonora y dramática en la escena del delirium tremens.
En la película The Song Remains the Same (La canción sigue siendo la misma) de Led Zeppelin, podremos ver a Jimmy Page improvisando efectos de sonido con un rústico Theremín de una antena conectado a efectos de delay.
Casi olvidado durante décadas, en los años noventa se benefició de un resurgimiento gracias, entre otros factores, a la producción del documental "Theremin, an Electronic Oddysey" (1995) y a la producción a mediana escala de theremines de gama media "etherwave standard", diseñados en la fábrica de Bog Moog (por entonces la empresa se llamaba "Big Briar", luego "Moog" de nuevo). Dicho modelo, aunque tiene pequeños fallos de diseño y es bastante básico, se sigue fabricando hoy día. Debido a su alto precio le ha salido multitud de imitaciones en todo el mundo, con lo que podemos considerar que ese modelo viene a ser al theremin lo que el modelo "Stratocaster" de Fender supone para las guitarras eléctricas: un icono y el diseño de theremin más popular.
Recientemente el theremin se ha retomado con éxito apabullante en películas como "El Maquinista", donde está tocado por Lydia Kavina, virtuosa del instrumento y familia lejana del propio L.S.Termen ( el cual era su tío abuelo y le instruyó en su uso cuando era niña).
Hoy en día lo han usado o lo usan grupos e intérpretes tan conocidos como Pink Floyd, Nine Inch Nails, Radiohead, Los Planetas, Jean Michel Jarre, The Gathering, Spock's Beard, Fangoria, Lendi Vexer, Jon Spencer Blues Explosion, Project:Pimento, Estirpe, Portishead y ultimamente Sunkfool e incluso Estopa con mayor o menor virtuosismo y dominio del mismo.
lunes, 28 de abril de 2008
Los escolares podrán aprender a tocar un fragmento del Araceli
La Junta del Misteri acercará la Festa a los centros educativos Las entradas de las representaciones salen a la venta en junio.
Con el fin de acercar aún más la Festa a los escolares, la Junta Rectora del Misteri ha encargado la adaptación de un fragmento del Araceli para que los alumnos puedan interpretarla con distintos instrumentos en las clases de música de sus respectivos centros. Se ha escogido precisamente la estrofa con la que se inicia el canto, Esposa e Mare de Deu.La iniciativa, aprobada en la última sesión de la Junta Rectora, se desarrollará bajo la responsabilidad de la comisión de Publicaciones de la Junta y estará coordinada por María Dolores Asencio. Se pretende lograr que el Misteri d' Elx sea más popular y cercano. Por eso se ha escogido el único canto interpretado con el apoyo de instrumentos musicales, lo que lo convierten en uno de los pasajes más llamativos y conocidos de la representación.Las voces serán interpretadas por la flauta dulce y el acompañamiento instrumental que realizan la guitarra y el arpa ha sido adapto para xilófonos y metalófonos. Además, se incluirán en las partituras la letra para ser cantada si se desea.Las carpetas con las partituras para los educadores y los alumnos estarán acabadas en un mes y medio. Entonces se convocará a los profesores de los sesenta centros de primaria y de los veintitrés de secundaria pare material didáctico.El proyecto cuenta con el patrocinio de la Institución Ferial Alicantina. Las labores técnicas han corrido a cargo de Francisco Javier Gonzálvez Valero, Director de la Escolanía del Misteri d'Elx. Además, se ha contado con la colaboración de José Galiano Pérez, profesor superior de flauta y director de la Banda del Conservatorio de Elche, de José Antonio Román Marcos, Mestre de Capella del Misteri d'Elx, y de Marcos Díaz, miembro del Departamento de Música del Instituto Misteri d'Elx.CesiónPor otro lado, la Junta acordó ceder a la Basílica de Santa María, para su exhibición en el museo de la Virgen, la guitarra realizada por Josep Frías de Sevilla en 1777, que fue donada por la Reina de España, María Cristina de Borbón, al concertista ilicitano Diego Ortiz. Éste a su vez la legó a la Patrona de Elche para que pudiera ser utilizada en el Araceli durante las representaciones de la Festa.Del mismo modo, se fijaron las fechas para la venta de entradas de las próximas representaciones de agosto del Misteri, comenzando la venta anticipada por internet a partir del próximo 6 de junio. Mientras que podrán adquirise en la Casa de la Festa desde el 28 de julio.Además, se editará el documental que Guide Lawaetz, realizó en 1978 sobre la Festa, para presentarlo al público en general.ACUERDOS
Adaptación: Un fragmento del Araceli podrá interpretarse en las clases de músicas de los centros de primaria y secundaria de la ciudad.Exhibición: Se cede la guitarra de Josep Frías de 1777 para que se exponga en el Museo de la Virgen que pronto abrirá sus puertas.Localidades: El 6 de junio se ponen a la venta a través de internet las entradas para las representaciones de agosto.
El Patronato adapta un pasaje del Misteri para su interpretación musical por escolares
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J. P. El Patronato del Misterio ha puesto en marcha un proyecto para acercar La Festa a los jóvenes y ha encargado la adaptación de un fragmento del Araceli para que los estudiantes puedan interpretarla con distintos instrumentos en las clases de música.El objetivo de esta iniciativa, según se explica en el comunicado emitido al término de la Junta Rectora del Patronato de ayer, es lograr que el Misteri sea más popular y cercano, por lo que ha escogido el único canto interpretado con el apoyo de instrumentos musicales, lo que lo convierte en uno de los pasajes más llamativos y conocidos de la representación. Las voces serán interpretadas por la flauta dulce y el acompañamiento instrumental que realizan la guitarra y el arpa ha sido adaptado para xilófonos y metalófonos. Además, las partituras incluirán la letra para ser cantada si se desea. El fragmento escogido es el que comienza con la frase "Esposa e Mare de Deu"Las carpetas con las partituras para los educadores y los alumnos estarán acabadas en un mes y medio. Entonces se convocará a los profesores de los sesenta centros de Primaria y de los veintitrés de Secundaria para repartir el material didáctico.El proyecto cuenta con el patrocinio de la Institución Ferial Alicantina (IFA). Las labores técnicas han corrido a cargo de Francisco Javier Gonzálvez Valero, director de la Escolanía del Misteri. Además, se ha contado con la colaboración de José Galiano Pérez, profesor superior de flauta y director de la Banda del Conservatorio; José Antonio Román, mestre de Capella y Marcos Díaz, del departamento de Música del Instituto Misteri d'Elx. La iniciativa ha estado coordinada por la patrona, María Dolores Asencio.Por otro lado, las localidades para las representaciones de agosto se pondrán a la venta de forma anticipada el 6 de junio y en taquilla el 28 de julio.
J. P. El Patronato del Misterio ha puesto en marcha un proyecto para acercar La Festa a los jóvenes y ha encargado la adaptación de un fragmento del Araceli para que los estudiantes puedan interpretarla con distintos instrumentos en las clases de música.El objetivo de esta iniciativa, según se explica en el comunicado emitido al término de la Junta Rectora del Patronato de ayer, es lograr que el Misteri sea más popular y cercano, por lo que ha escogido el único canto interpretado con el apoyo de instrumentos musicales, lo que lo convierte en uno de los pasajes más llamativos y conocidos de la representación. Las voces serán interpretadas por la flauta dulce y el acompañamiento instrumental que realizan la guitarra y el arpa ha sido adaptado para xilófonos y metalófonos. Además, las partituras incluirán la letra para ser cantada si se desea. El fragmento escogido es el que comienza con la frase "Esposa e Mare de Deu"Las carpetas con las partituras para los educadores y los alumnos estarán acabadas en un mes y medio. Entonces se convocará a los profesores de los sesenta centros de Primaria y de los veintitrés de Secundaria para repartir el material didáctico.El proyecto cuenta con el patrocinio de la Institución Ferial Alicantina (IFA). Las labores técnicas han corrido a cargo de Francisco Javier Gonzálvez Valero, director de la Escolanía del Misteri. Además, se ha contado con la colaboración de José Galiano Pérez, profesor superior de flauta y director de la Banda del Conservatorio; José Antonio Román, mestre de Capella y Marcos Díaz, del departamento de Música del Instituto Misteri d'Elx. La iniciativa ha estado coordinada por la patrona, María Dolores Asencio.Por otro lado, las localidades para las representaciones de agosto se pondrán a la venta de forma anticipada el 6 de junio y en taquilla el 28 de julio.
viernes, 11 de abril de 2008
George Sand, una chica con pantalones.
Hemos conocido a George Sand como la novia de Chopin, el gran compositor polaco. Sin embargo, su rica personalidad y su talento como escritora merecen que le dediquemos una entrada personalizada en nuestra web a esta "chica con pantalones".
Luego de abandonar a su esposo, Aurore comenzó a preferir el uso de vestimentas masculinas, aunque continuaba vistiéndose con prendas femeninas en reuniones sociales. Este "disfraz" masculino le permitió circular más libremente en París, y obtuvo de esta forma, un acceso a lugares que de otra manera hubieran estado negados para una mujer de su condición social. Esta era una práctica excepcional para el siglo XIX, donde los códigos sociales, especialmente de las clases altas, eran de una gran importancia. Como consecuencia, ella perdió una parte de los privilegios que obtuvo al convertirse en una baronesa.
Legendaria por sus cigarillos y escandalosa vestimenta masculina estuvo relacionada románticamente con Alfred de Musset durante el verano de 1833; después de la tormentosa relación en Venecia Musset posteriormente le dedicaría un libro: Confesión de un hijo del siglo. También entabló relación con el compositor Frédéric Chopin a quien encontró en París en 1831. Dentro de su círculo de amistades se encontraban el compositor Franz Liszt, el pintor Eugène Delacroix, el escritor Heinrich Heine así como Victor Hugo, Honoré de Balzac, Julio Verne y Gustave Flaubert.
Aurore Dupin falleció en Nohant, cerca de Chateauroux, en Francia, el 8 de junio de 1876 a la edad de 72 años y se la enterró en tierras de su hogar en Nohant. En el año 2004, se sugirió mover sus restos al Panteón en París.
Extraido de Wikipedia
George Sand, seudónimo de Amandine-Aurore-Lucille Dupin, baronesa Dudevant (París, 1 de julio de 1804 - Nohant, 8 de junio de 1876). Escritora francesa.
Nació en París, hija de padre aristocrático y madre de la clase media, siendo educada durante gran parte de su infancia por su abuela en la localidad de Nohant, en el condado de Berry, en Francia, lugar que luego aparecería en algunas de sus novelas. En 1822, contrajo matrimonio con el Baron Casimir Dudevant, y tuvieron 2 hijos, Maurice, nacido en 1823 y Solange, nacida en 1828. En 1831, se separó de su esposo llevándose a sus dos hijos y se instaló en París. Cinco años después obtiene el divorcio.
Su primera novela, Rosa y Blanco ("Rose Et Blanche"), fue escrito en 1831 en colaboración con Jules Sandeau, de quien tomó presumiblemente su seudónimo de Sand.
Nació en París, hija de padre aristocrático y madre de la clase media, siendo educada durante gran parte de su infancia por su abuela en la localidad de Nohant, en el condado de Berry, en Francia, lugar que luego aparecería en algunas de sus novelas. En 1822, contrajo matrimonio con el Baron Casimir Dudevant, y tuvieron 2 hijos, Maurice, nacido en 1823 y Solange, nacida en 1828. En 1831, se separó de su esposo llevándose a sus dos hijos y se instaló en París. Cinco años después obtiene el divorcio.
Su primera novela, Rosa y Blanco ("Rose Et Blanche"), fue escrito en 1831 en colaboración con Jules Sandeau, de quien tomó presumiblemente su seudónimo de Sand.
Luego de abandonar a su esposo, Aurore comenzó a preferir el uso de vestimentas masculinas, aunque continuaba vistiéndose con prendas femeninas en reuniones sociales. Este "disfraz" masculino le permitió circular más libremente en París, y obtuvo de esta forma, un acceso a lugares que de otra manera hubieran estado negados para una mujer de su condición social. Esta era una práctica excepcional para el siglo XIX, donde los códigos sociales, especialmente de las clases altas, eran de una gran importancia. Como consecuencia, ella perdió una parte de los privilegios que obtuvo al convertirse en una baronesa.
Legendaria por sus cigarillos y escandalosa vestimenta masculina estuvo relacionada románticamente con Alfred de Musset durante el verano de 1833; después de la tormentosa relación en Venecia Musset posteriormente le dedicaría un libro: Confesión de un hijo del siglo. También entabló relación con el compositor Frédéric Chopin a quien encontró en París en 1831. Dentro de su círculo de amistades se encontraban el compositor Franz Liszt, el pintor Eugène Delacroix, el escritor Heinrich Heine así como Victor Hugo, Honoré de Balzac, Julio Verne y Gustave Flaubert.
En Mallorca, donde aún puede visitarse el monasterio Cartujo de Valldemosa, Sand pasó el invierno de 1838 con sus hijos y Chopin. Este viaje fue luego descrito en su libro Un invierno en Mallorca (Un hiver à Majorque), publicado en 1855.
Entre sus novelas más exitosas se encuentran Indiana (1832), Lelia (1833), El compañero de Francia (1840), Consuelo (1842-43), Los maestros soñadores (1853).
En El pantano del Diablo (1846), cuenta experiencias de su infancia en el campo y escribe sobre temas rurales. Otras obras de este tipo son El molinero de Angibault (1845), François le Champi (1847-48) y La Petite Fadette (1849).
Entre sus obras de teatro y autobiográficas se encuentran Historia de mi vida (Historie de ma vie, 1855), Elle et Lui (1859) donde cuenta su relación con Musset; Journal Intime (obra que se publicara póstumamente en 1926), y Correspondencia.
Además, George Sand escribió varios textos acerca de críticas literarias y políticos.
Entre sus novelas más exitosas se encuentran Indiana (1832), Lelia (1833), El compañero de Francia (1840), Consuelo (1842-43), Los maestros soñadores (1853).
En El pantano del Diablo (1846), cuenta experiencias de su infancia en el campo y escribe sobre temas rurales. Otras obras de este tipo son El molinero de Angibault (1845), François le Champi (1847-48) y La Petite Fadette (1849).
Entre sus obras de teatro y autobiográficas se encuentran Historia de mi vida (Historie de ma vie, 1855), Elle et Lui (1859) donde cuenta su relación con Musset; Journal Intime (obra que se publicara póstumamente en 1926), y Correspondencia.
Además, George Sand escribió varios textos acerca de críticas literarias y políticos.
Aurore Dupin falleció en Nohant, cerca de Chateauroux, en Francia, el 8 de junio de 1876 a la edad de 72 años y se la enterró en tierras de su hogar en Nohant. En el año 2004, se sugirió mover sus restos al Panteón en París.
miércoles, 2 de abril de 2008
Vicente Martín y Soler, un músico valenciano
Extraido de Wikipedia
Vicente Martín y Soler (Valencia, 2 de mayo de 1754 - San Petersburgo, 30 de enero de 1806). Compositor valenciano, conocido como el Martíni lo Spagnolo, conocido principalmente como autor de óperas y ballets y de reconocido prestigio internacional.
Hijo del cantante Francisco Javier Martín y de Magdalena Soler, fue niño de coro de la catedral de Valencia. Tras estudiar música en Bolonia con Giovanni Battista Martini se instaló en 1775 en Madrid, donde estrenó con 22 años su primera ópera I due avari y en 1777 su zarzuela Il tutore burlato, ligada al espíritu de la tonadilla, que veinte años más tarde tradujo y adaptó al español según el patrón de la zarzuela como La madrileña. En la capital española obtuvo numerosos éxitos, protegido por el rey Carlos IV.
De allí pasó en 1777 al reino de Nápoles, como Maestro de Capilla del también Borbón Fernando IV. Allí permaneció hasta 1785 consolidando su reputación como compositor: en 1779 dio la primera representación de su Ifigenia in Aulide en el grandioso marco del Teatro San Carlo. En años sucesivos representó otros trabajos teatrales en diversas ciudades italianas, (Andromaca, L'amore geloso, In amor ci vuol destrezza y Le burle per amore). Pero la esposa del embajador español en Viena lo invitó a trasladarse a esta ciudad, y para la corte vienesa representó una ópera cómica en 1785. En Viena alcanzó un gran éxito, así que se estableció allí y compuso óperas sobre textos de Lorenzo da Ponte, con quien entabló una gran amistad, como Una cosa rara, ossia Bellezza ed onestà, L'arbore di Diana o Il Burbero di buon cuore. En Viena conoció además la obra de Mozart y Salieri. Su ópera Una cosa rara alcanzó a reponerse 55 veces en pocos años y fue uno de sus mayores éxitos; de hecho, una melodía del final del primer acto fue usada por Mozart en el segundo acto de su Don Giovanni, precisamente en la escena del banquete.al año siguiente volvió a cosechar grandes aplausos con su L'arbore di Diana, que entre 1787 y 1792 recibió de 65 a 70 representaciones en el Burgtheater de Viena, de forma que fue una de las óperas en italiano mas representadas de la época.
Más adelante, en 1788, aceptó la oferta de Catalina II para ser compositor de la corte en San Petersburgo; allí compuso nuevas óperas, algunas de ellas en ruso y de tema cervantino como El desgraciado héroe Kosmetovich (1789, libreto escrito en parte por Catalina la Grande y de ciertas connotaciones políticas, ya que trataba de ridiculizar a Gustavo III de Suecia),y, tras un breve intento de instalarse en Londres, donde estuvo entre 1793 y 1796 y representó con éxito La capricciosa corretta, siempre con libreto de su amigo Da Ponte, pero como las siguientes no tuvieron éxito volvió a San Petersburgo, donde se dedicó en exclusiva a la enseñanza y abandonó la composición; allí murió.
Su música fue muy apreciada por sus contemporáneos; compuso más de treinta óperas con y una veintena de ballets para teatros del mayor rango: el San Carlo de Nápoles, el Burgtheater de Viena, el Ermitage de San Petersburgo, el King’s Theater de Londres... Sus obras fueron interpretadas por los mayores cantantes del momento, como el castrato Luigi Marchesi, los tenores Giovanni Ansani y Michael Kelly, las sopranos Maria Balducci, Luisa Todi o Nancy Storace, y sus ballets merecieron la coreografía de Charles Lepicq o Domenico Rossi. Tuvo a su disposición a los mejores libretistas de su tiempo, como Pietro Metastasio o Da Ponte, y fue el músico predilecto de la mayor parte de los soberanos de su tiempo: Carlos IV, José II, Catalina II de Rusia.
En cuanto estilo, su música corresponde al clasicismo vienés: dulce y llena de gracia merced al predominio de la melodía, la estructura a tres voces y la periodicidad del fraseo y de la forma. Muchas de sus melodías tienen un carácter pastoril en cuanto que presentaban un metro de contradanza (en 6/8). Durante su carrera compuso principamente óperas líricas, muchas de las cuales alcanzaron en su tiempo éxitos resonantes. El culmen de su carrera lo alcanzó en Viena con tres dramas jocosos con libreto de Da Ponte: Il burbero di buon cuore (1786), Una cosa rara (1786) y L'arbore di Diana (1787), que hoy en día son raramente representadas, aunque se suelen citar Il tutore burlato, Una cosa rara y La scuola dei maritati.
Hijo del cantante Francisco Javier Martín y de Magdalena Soler, fue niño de coro de la catedral de Valencia. Tras estudiar música en Bolonia con Giovanni Battista Martini se instaló en 1775 en Madrid, donde estrenó con 22 años su primera ópera I due avari y en 1777 su zarzuela Il tutore burlato, ligada al espíritu de la tonadilla, que veinte años más tarde tradujo y adaptó al español según el patrón de la zarzuela como La madrileña. En la capital española obtuvo numerosos éxitos, protegido por el rey Carlos IV.
De allí pasó en 1777 al reino de Nápoles, como Maestro de Capilla del también Borbón Fernando IV. Allí permaneció hasta 1785 consolidando su reputación como compositor: en 1779 dio la primera representación de su Ifigenia in Aulide en el grandioso marco del Teatro San Carlo. En años sucesivos representó otros trabajos teatrales en diversas ciudades italianas, (Andromaca, L'amore geloso, In amor ci vuol destrezza y Le burle per amore). Pero la esposa del embajador español en Viena lo invitó a trasladarse a esta ciudad, y para la corte vienesa representó una ópera cómica en 1785. En Viena alcanzó un gran éxito, así que se estableció allí y compuso óperas sobre textos de Lorenzo da Ponte, con quien entabló una gran amistad, como Una cosa rara, ossia Bellezza ed onestà, L'arbore di Diana o Il Burbero di buon cuore. En Viena conoció además la obra de Mozart y Salieri. Su ópera Una cosa rara alcanzó a reponerse 55 veces en pocos años y fue uno de sus mayores éxitos; de hecho, una melodía del final del primer acto fue usada por Mozart en el segundo acto de su Don Giovanni, precisamente en la escena del banquete.al año siguiente volvió a cosechar grandes aplausos con su L'arbore di Diana, que entre 1787 y 1792 recibió de 65 a 70 representaciones en el Burgtheater de Viena, de forma que fue una de las óperas en italiano mas representadas de la época.
Más adelante, en 1788, aceptó la oferta de Catalina II para ser compositor de la corte en San Petersburgo; allí compuso nuevas óperas, algunas de ellas en ruso y de tema cervantino como El desgraciado héroe Kosmetovich (1789, libreto escrito en parte por Catalina la Grande y de ciertas connotaciones políticas, ya que trataba de ridiculizar a Gustavo III de Suecia),y, tras un breve intento de instalarse en Londres, donde estuvo entre 1793 y 1796 y representó con éxito La capricciosa corretta, siempre con libreto de su amigo Da Ponte, pero como las siguientes no tuvieron éxito volvió a San Petersburgo, donde se dedicó en exclusiva a la enseñanza y abandonó la composición; allí murió.
Su música fue muy apreciada por sus contemporáneos; compuso más de treinta óperas con y una veintena de ballets para teatros del mayor rango: el San Carlo de Nápoles, el Burgtheater de Viena, el Ermitage de San Petersburgo, el King’s Theater de Londres... Sus obras fueron interpretadas por los mayores cantantes del momento, como el castrato Luigi Marchesi, los tenores Giovanni Ansani y Michael Kelly, las sopranos Maria Balducci, Luisa Todi o Nancy Storace, y sus ballets merecieron la coreografía de Charles Lepicq o Domenico Rossi. Tuvo a su disposición a los mejores libretistas de su tiempo, como Pietro Metastasio o Da Ponte, y fue el músico predilecto de la mayor parte de los soberanos de su tiempo: Carlos IV, José II, Catalina II de Rusia.
En cuanto estilo, su música corresponde al clasicismo vienés: dulce y llena de gracia merced al predominio de la melodía, la estructura a tres voces y la periodicidad del fraseo y de la forma. Muchas de sus melodías tienen un carácter pastoril en cuanto que presentaban un metro de contradanza (en 6/8). Durante su carrera compuso principamente óperas líricas, muchas de las cuales alcanzaron en su tiempo éxitos resonantes. El culmen de su carrera lo alcanzó en Viena con tres dramas jocosos con libreto de Da Ponte: Il burbero di buon cuore (1786), Una cosa rara (1786) y L'arbore di Diana (1787), que hoy en día son raramente representadas, aunque se suelen citar Il tutore burlato, Una cosa rara y La scuola dei maritati.
martes, 11 de marzo de 2008
El mito de Orfeo: el poder mágico de la música.
De Wikipedia:
Orfeo (en griego Ορφέυς) es un personaje de la mitología griega, hijo de Apolo y la musa Calíope. Hereda de ellos el don de la música y la poesía. Según los relatos, cuando tocaba su lira, los hombres se reunían para oírlo y hacer descansar su alma. Por ello enamoró a la bella Eurídice y logró dormir al terrible Cerbero, cuando bajó al Hades a intentar resucitarla.
El mito de Eurídice
La historia más conocida sobre Orfeo es la que se refiere a su esposa Eurídice que a veces es conocida como Agriope. Algunas versiones cuentan que mientras huía de Aristeo, u otras que mientras paseaba con Orfeo, fue mordida por una serpiente y murió. En las orillas del río Estrimón Orfeo se lamentaba amargamente por la pérdida de Eurídice. Consternado, Orfeo tocó canciones tan tristes y cantó tan lastimeramente, que todas las ninfas y dioses lloraron y le aconsejaron que descendiera al inframundo (catábasis). Camino de las profundidades del inframundo, tuvo que sortear muchos peligros, para los cuales usó su música, ablandó el corazón de los demonios, e hizo llorar a los tormentos (por primera y única vez). Llegado el momento, con su música ablandó también el corazón de Hades y Perséfone, los cuales permitieron a Eurídice retornar con él a la tierra; pero sólo bajo la condición de que debía caminar delante de ella, y que no debía mirar hacia atrás hasta que ambos hubieran alcanzado el mundo superior y los rayos de sol bañasen a Eurídice. A pesar de sus ansias, Orfeo no volvió la cabeza en todo el trayecto, incluso cuando pasaban junto a algún peligro o demonio, no se volvía para asegurarse de que Eurídice estuviera bien. Llegaron finalmente a la superficie y, por la desesperación, Orfeo volvió la cabeza para verla; pero ella todavía no había sido completamente bañada por el sol, todavía tenía un pie en el camino al inframundo: Eurídice se desvaneció en el aire, y ahora para siempre. Esta historia procede del tiempo de Virgilio, que fue el que introdujo el nombre de Aristeo. Sin embargo, otros autores también hablan de la visita de Orfeo al submundo; de acuerdo con Platón los dioses del infierno sólo le "presentaron una aparición" de Eurídice. También segun Platón, los dioses no le entregaron a su amante, porque les parecía que se mostraba cobarde, como buen citaredo, y no tuvo el arrojo de morir por amor, sino que buscóse el medio de penetrar con vida en el Hades.
La muerte de Orfeo.
De acuerdo a un resumen de la antigüedad tardía de la obra perdida de Esquilo Las Basárides, Orfeo al final de su vida desdeñó el culto a todos los dioses excepto al sol, a quien llamó Apolo. Según cuenta Ovidio en el libro X de las Metamorfosis, Orfeo, quejándose de la crueldad de los dioses, se retiró al alto Ródope y al Hemo. Una mañana temprano, ascendió el monte Pangeo (donde había un oráculo de Dioniso) para saludar a su dios al amanecer, pero fue despedazado por las ménades tracias por no honrar a su anterior patrón, Dioniso. Es significativo que su muerte sea análoga a la muerte de Dioniso, para quien, por lo tanto, ha ejercido la función de sacerdote o avatar. Según Platón, los dioses le impusieron a Orfeo el castigo de morir a manos de mujeres por no haber tenido el arrojo de morir por amor como Alcestis, hija de Pelias, que murió en lugar de su marido.
Otras versiones dicen que Orfeo regresó destrozado a su pueblo, donde los habitantes le pidieron que tocara sus hermosas melodías; Orfeo deprimido como estaba, empezó a golpear su lira con una piedra, provocando un ruido tan horrendo que todo alrededor se marchitaba; así que el pueblo lo asesinó con el fin de parar ese ruido.
Orfeo en el arte.
Las representaciones plásticas del mito de Orfeo son muy abundantes.
En música, es especialmente importante la obra L'Orfeo, favola in musica (1607) de Claudio Monteverdi, considerada la primera ópera de la historia. Otros importantes compositores recrearon el mito: entre otros, Christoph Willibald Gluck (Orfeo y Eurídice) o Jacques Offenbach (en su paródica ópera bufa Orphée aux Enfers).Francisco de Quevedo le dedicó el poema Un Orfeo Burlesco.
El mito de Eurídice
La historia más conocida sobre Orfeo es la que se refiere a su esposa Eurídice que a veces es conocida como Agriope. Algunas versiones cuentan que mientras huía de Aristeo, u otras que mientras paseaba con Orfeo, fue mordida por una serpiente y murió. En las orillas del río Estrimón Orfeo se lamentaba amargamente por la pérdida de Eurídice. Consternado, Orfeo tocó canciones tan tristes y cantó tan lastimeramente, que todas las ninfas y dioses lloraron y le aconsejaron que descendiera al inframundo (catábasis). Camino de las profundidades del inframundo, tuvo que sortear muchos peligros, para los cuales usó su música, ablandó el corazón de los demonios, e hizo llorar a los tormentos (por primera y única vez). Llegado el momento, con su música ablandó también el corazón de Hades y Perséfone, los cuales permitieron a Eurídice retornar con él a la tierra; pero sólo bajo la condición de que debía caminar delante de ella, y que no debía mirar hacia atrás hasta que ambos hubieran alcanzado el mundo superior y los rayos de sol bañasen a Eurídice. A pesar de sus ansias, Orfeo no volvió la cabeza en todo el trayecto, incluso cuando pasaban junto a algún peligro o demonio, no se volvía para asegurarse de que Eurídice estuviera bien. Llegaron finalmente a la superficie y, por la desesperación, Orfeo volvió la cabeza para verla; pero ella todavía no había sido completamente bañada por el sol, todavía tenía un pie en el camino al inframundo: Eurídice se desvaneció en el aire, y ahora para siempre. Esta historia procede del tiempo de Virgilio, que fue el que introdujo el nombre de Aristeo. Sin embargo, otros autores también hablan de la visita de Orfeo al submundo; de acuerdo con Platón los dioses del infierno sólo le "presentaron una aparición" de Eurídice. También segun Platón, los dioses no le entregaron a su amante, porque les parecía que se mostraba cobarde, como buen citaredo, y no tuvo el arrojo de morir por amor, sino que buscóse el medio de penetrar con vida en el Hades.
La muerte de Orfeo.
De acuerdo a un resumen de la antigüedad tardía de la obra perdida de Esquilo Las Basárides, Orfeo al final de su vida desdeñó el culto a todos los dioses excepto al sol, a quien llamó Apolo. Según cuenta Ovidio en el libro X de las Metamorfosis, Orfeo, quejándose de la crueldad de los dioses, se retiró al alto Ródope y al Hemo. Una mañana temprano, ascendió el monte Pangeo (donde había un oráculo de Dioniso) para saludar a su dios al amanecer, pero fue despedazado por las ménades tracias por no honrar a su anterior patrón, Dioniso. Es significativo que su muerte sea análoga a la muerte de Dioniso, para quien, por lo tanto, ha ejercido la función de sacerdote o avatar. Según Platón, los dioses le impusieron a Orfeo el castigo de morir a manos de mujeres por no haber tenido el arrojo de morir por amor como Alcestis, hija de Pelias, que murió en lugar de su marido.
Otras versiones dicen que Orfeo regresó destrozado a su pueblo, donde los habitantes le pidieron que tocara sus hermosas melodías; Orfeo deprimido como estaba, empezó a golpear su lira con una piedra, provocando un ruido tan horrendo que todo alrededor se marchitaba; así que el pueblo lo asesinó con el fin de parar ese ruido.
Orfeo en el arte.
Las representaciones plásticas del mito de Orfeo son muy abundantes.
En música, es especialmente importante la obra L'Orfeo, favola in musica (1607) de Claudio Monteverdi, considerada la primera ópera de la historia. Otros importantes compositores recrearon el mito: entre otros, Christoph Willibald Gluck (Orfeo y Eurídice) o Jacques Offenbach (en su paródica ópera bufa Orphée aux Enfers).Francisco de Quevedo le dedicó el poema Un Orfeo Burlesco.
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